Recta final para la 5ª edición de Havana World Music, el festival de músicas del mundo que encarna el nuevo tiempo de Cuba

  • El festival alternativo, patrocinado por Black Tears by Vigía, pondrá a la isla en el foco mundial del 22 al 24 de marzo, en plena temporada alta de turismo
  • Los primeros artistas ya han sido confirmados: Orishas, que vuelven a actuar en Cuba casi 10 años después; Marinah (Ojos de Brujo), el ritmo africano de Gato Preto, el portorriqueño Henry Cole y los ecuatorianos Swing Original Monks
  • Desde su fundación, 70 artistas y bandas de 20 países han apoyado solidariamente este proyecto nacido con escasos recursos y mucho corazón
  • El evento es un refrescante escaparate de una Cuba abierta al mestizaje, el diálogo intercultural y la cultura de la paz


La Habana (Cuba), 08/Febrero/2018
Havana World Music-Black Tears by Vigia celebra este año su 5ª y más ambiciosa edición, decidido a consolidarse internacionalmente como el festival de músicas del mundo más importante de Hispanoamérica. El certamen nació en 2014 y, desde entonces, 70 artistas y bandas de 20 países distintos han contribuido solidariamente a hacer crecer este proyecto, un vibrante punto de encuentro cultural que aglutina toda la energía de un ilusionante nuevo tiempo en Cuba.

¿Qué artistas están ya confirmados?

  • Orishas: La vuelta a los escenarios cubanos del grupo Orishas es el plato fuerte de HWM-BT 2018. El trío que revolucionó la escena de la música urbana latina a principios de los 2000 tocó por última vez en Cuba en 2009. Después de un tiempo de pausa, Roldán González, Ruzzo Medina y Yotuel Romero se han unido de nuevo y trabajan en el lanzamiento de su nuevo álbum.
  • Marinah: La antigua integrante de Ojos de Brujo es garantía de fiesta. La ex líder de esta mítica banda española (2000-2013) traerá a La Habana toda la energía de su nuevo disco, ‘Afrolailo’, una fusión de flamenco con música afrocubana “muy enérgica, pensada para el directo”.
  • Gato Preto: Visita por primera vez el festival este dúo de origen africano. Compuesto por la portuguesa de origen mozambiqueño Gata Misteriosa y el productor alemán de origen ghanés Lee Bass, Gato Preto traerá a Cuba su fusión de Techno, Funk y Groove con Kuduro, género angoleño de música bailable, acompañados en directo por percusión senegalesa. Ellos se definen como el más puro afrofuturismo.

Otros artistas importantes ya desvelados son: Henry Cole (Puerto Rico), The Chicken Brothers (Reino Unido), La Banda Morisca (España), Swing Original Monks (Ecuador), Haydée Milanés (Cuba), Interactivo (Cuba) y Síntesis (Cuba).

El festival celebra su quinto aniversario del 22 al 24 de marzo en el Parque Metropolitano-Almendares de La Habana, con conciertos al aire libre, y con una programación paralela de talleres, conferencias y exhibiciones en la Fábrica de Arte Cubano, ambos ubicados en el corazón cultural y de ocio de la capital.

En esas fechas, a comienzos de la primavera, el país registra su mayor afluencia anual de visitantes extranjeros. Además, la ciudad ha renacido como destino musical internacional gracias al deshielo de sus relaciones diplomáticas y al calor de los multitudinarios conciertos que The Rolling Stones y Major Lazer ofrecieron al aire libre en La Habana en marzo de 2016, el mismo mes en que se produjo la histórica visita de Barack Obama al país, la primera de un presidente de Estados Unidos en casi un siglo.

Con ese contexto histórico como telón de fondo, el festival quiere ser la representación de la Cuba del siglo XXI: un país con un enorme capital cultural y humano, abierto al mundo y orgulloso de su identidad.

Pocos recursos, gran corazón
La mayor parte de los grupos internacionales invitados regala su talento o participan en Havana World Music– Black Tears by Vigia con una aportación económica testimonial, decididos a apoyar esta propuesta artística alternativa que fusiona géneros populares como Rock, Hip-Hop, Jazz, Soul, Reggae, Salsa, Electrónica, Funk o Folk.

El festival fue fundado con muy pocos recursos por un grupo de amantes de la música, liderado por la joven intérprete cubana Eme Alfonso, y en el equipo organizador también hay varios extranjeros residentes en la isla. La iniciativa recibe apoyo de las autoridades cubanas y el precio de la entrada para los nacionales tiene un precio accesible: 20 pesos cubanos por día, menos de un dólar al cambio.

Diversidad, intercambio y valores
“La idea es que el público cubano pueda acceder a diversidad de propuestas musicales y formatos artísticos tanto de Cuba como del extranjero y que a la vez se pueda crear un intercambio entre las bandas internacionales y las cubanas que beneficie a los músicos, productores y promotores musicales de nuestro país”, explica Eme Alfonso, directora del certamen.

La marca de ron Black Tears by Vigía es el patrocinador principal de Havana World Music, una macro manifestación cultural que busca las relaciones entre personas de todo el mundo desde el respeto, el arte y el talento sin fronteras. El mayor festival alternativo del Caribe tiene como valores el mestizaje, el diálogo intercultural y la cultura de la paz.

El rapero Angello Black quiere que los oyentes beban un sorbo de su nuevo sencillo “Copa”

El artista de crossover de hip-hop latino de Scottsdale, Arizona, Angello Black, lanzo su último sencillo, Copa (Cup). Oriundo de Virginia, el rapero/músico de primera generación se enamoró de la idea de perseguir una carrera en el mundo de la música a la edad de 14 años, luego de tener un vívido sueño acerca de convertirse en un artista/intérprete. A la misma edad, se inspiró para perfeccionar su oficio al escuchar a los artistas de hip-hop de la época, como Jay Z, Eminem y Young Jeezy que hoy en día son considerados legendarios MC.

 

A lo largo de los años, Black ha creado un estilo moderno muy diverso que resulta en una mezcla de EDM Latino y hip-hop, mientras que con frecuencia suelta rimas con facilidad tanto en inglés como en español. También ha estado desarrollando de forma metódica su marca trabajando con otros prometedores artistas de la música y al mismo tiempo participando intensamente en la producción de pistas de música para televisión, redes sociales y cine. Black se ve a sí mismo transformándose en una persona influyente dentro de la industria de la música, similar a otros intérpretes que han triunfado como cantantes, interpretando y bailando, convertidos en magnates de la música como Dr. Dre y el ídolo de la infancia de Black, Jay Z. Black vislumbra su futuro como alguien con talento conocido por producir, escribir y representar. “un experto en el lado comercial de la industria de la música“, como él mismo dice.

 

La canción Copa (Cup) de Angello Black, producida y escrita por Black, Izzy Neutron y DJ Shaw T, hace referencia al valor de las mujeres al ser mucho más que simplemente un trofeo o una chica de escaparate. Black lo explica así: “Se trata de mujeres hermosas, independientes y trabajadoras. Las más ambiciosas. Las que quieren a un hombre exitoso como acompañante“.

 

Copa está disponible en ITunes y a través de las plataformas de medios digitales.

 

https://itunes.apple.com/us/album/copa-d-gracia-single/1268356213

 

Para conocer más acerca de Angello Black o seguirlo en redes sociales visitar:

 

www.instagram.com/ANGELLOBLACK3

www.twitter.com/ANGELLOBLACK1

www.youtube.com/AngelloblackTV

www.facebook.com/ANGELLOBLACKFANPAGE

 

Para consultas de los medios, por favor contacte con Reyna Trevino a Trevino Enterprises al número 818-302-0030 o a través de correo electrónico: reyna@trevinoenterprises.net

Desde el 21 de julio estará disponible el nuevo sencillo de Stephania Sanquiz con Noemi Smorra, “Hojas Amarillas”

Hojas Amarillas” es el segundo sencillo de la fascinante artista Sudamericana Stephania Sanquiz que homenajea al éxito internacional “Golden Leaves”, un tema en inglés que permaneció por muchas semanas en las primeras posiciones de la televisión rusa, de Noemi Smorra y Lena Katina, con su versión original en español y la participación de la misma Noemi.

La canción compuesta por Fernando Alba fue escrita junto a Kathleen Hagen con la adaptación de Jose Luque Ordóñez; es presentada por Maqueta Records con un videoclip grabado entre Los Angeles y Roma que muestra a las cantantes en los días de la grabación en estudio. Un sonido nuevo, que recuerda al original, pero con un sabor más Rock e Indie en pleno contraste con los ritmos latinos, que entra así, con pie firme, en la actual tendencia del mercado musical Sudamericano.


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Stephania Sanquiz, venezolana, después de haber practicado la gimnasia artística durante su juventud, y tras haber participado con éxito en los principales concursos de belleza de su país, se vuelve popular en Sudamérica con la participación en el reality televisivo de la RCTV “Fama, Sudor y Lágrimas” que la lanza en el doble rol de cantante y actriz en algunas novelas latinas como “Mi Prima Ciela”. Se mudó a los Estados Unidos para tomar clases en la New York Film Academy. Stephania entra en el casting del musical de Broadway “The Wedding Singer” y comienza su carrera como compositora y cantante solista. En 2016 publica su primer sencillo “Magia Está Aquí” (también en versión en inglés “Magic is Here”) que se convierte inmediatamente popular en HTV Music y llega a la quinta posición en el “Top Latino” de Billboard en Venezuela.

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Noemi Smorra, italiana, comienza a pisar los escenarios del teatro y los concursos de canto desde una edad muy joven. Después de graduarse de la Academia Nacional de Arte Dramático Sivio D’Amico obtiene el rol de coprotagonista en el musical “Datemi tre caravelle” en el Teatro Sistina en Roma, junto a Alessandro Preziosi, y participa en numerosas obras de ficción para la televisión. En el 2008 debuta con el musical “La Divina Commedia Opera” donde interpreta a Pia de’ Tolomei y, dos años después, Michele Guardì la busca para el rol de Lucia Mondella en el casting estelar de su “I Promessi Sposi- Opera Moderna” que debuta en el estadio milanés de San Siro. Su proyecto discográfico comienza en el 2015 con Maqueta Records y la dirección artística de Fernando Alba, con el sencillo en inglés “Golden Leaves” en dueto con la estrella de pop internacional Lena Katina (ex t.A.T.u.) que entra en los mejores lugares en Rusia, y el EP “Transparente” con pistas tanto en italiano como en inglés.

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La compositora y pianista neoyorquina, Hayley Lam, por lanzar su EP: Being Alive

Nueva York, NY – Hayley Lam, galardonada compositora, pianista y violinista que se especializa tanto en jazz contemporáneo como en la interpretación y producción de música clásica, anunció esta semana que para este verano estará lanzando su próxima entrega musical, un EP titulado: Being Alive.

Habiendo comenzado sus estudios a una edad muy temprana, obtuvo un Diploma de Asociado, ATCL Recital Piano en el Trinity College de Londres con tan sólo once años de edad; Lam pasó a ganar su Diploma de Licenciatura, LTCL Recital Piano y Diploma Asociado, ATCL Recital Violin sólo unos años más tarde. Lam recibió también el Grado de Maestro en Yamaha especializándose en piano a la edad de doce años.

Para hacerlo posible, debido a su profunda e impresionante pasión por la música contemporánea, le concedieron una beca para continuar sus estudios en el Berklee College of Music. Lam completó un Bachillerato en Música con un programa de cinco años de doble área de especialización en composición e interpretación de jazz. Este lo realizó en sólo 1,5 años.

“He estado escribiendo y tocando música influenciada por mi vida cotidiana durante años”, dijo Lam. “Obtengo inspiración de pinturas, fotografías, o incluso de interactuar con otros músicos. A partir de ahí, exploro con mis instrumentos hasta que empiezo a escuchar los sonidos y tesituras con los que realmente puedo trabajar. La mayoría de las veces, estas ideas se convierten en composiciones acabadas. No hay nada más pudiera estar haciendo con mi vida hoy. ”

Durante su formación musical, Lam tuvo el privilegio de estudiar con renombrados músicos, incluyendo a Joanne Brackeen, David Fiuczynski, un ganador de la Guggenheim Fellowship, Alain Mallet, un pianista de Paul Simon, Steve Hunt, el teclista de Allan Holdsworth, Greg Hopkins, Ex-arreglista de Buddy Rich Orchestra, Bob Pilkington, Dennis Hamm, tecladista de Thundercat, Eguie Castillo, ganador del premio GRAMMY, Dave Santoro y muchos más.

Justo el año pasado, Lam ganó el título de Young Composer Showcase Winner 2017 en la Conferencia Internacional de Jazz en Nueva Orleans. La composición original de Lam, La Campana Desconocida, fue presentada e interpretada por la UNC Jazz Lab Band 1, dirigida por Dana Landry. El reconocimiento a Lam fue publicado en el libro del programa Jazz Education Network a través del editor de la revista Downbeat.

“Son realmente increíbles las experiencias, actuaciones y la exposición que he recibido a través de mi educación musical”, dijo Lam. “Sin mis mentores, nunca habría sido capaz de empujar los límites de lo que soy capaz como artista musical.”

Lam tomó música desde los dos años de edad. Siendo una niña pequeña, ella suplicó a sus padres para tener lecciones musicales después de mirar a su hermano tocar el piano. Hoy, Lam afirma que ni siquiera puede recordar desde cuando viene su amor y pasión por la música.

En su último video promocional para el EP se presenta Akos Forgacs, Fabio Rojas y Marko Djordjevic. Ahora hay una campaña de crowdfunding en curso en GoFundMe.com para ayudar a Lam con los toques finales de la producción digital, la distribución, y la comercialización. El legendario Steve Hunt, quien solía ser el tecladista de Allan Holdsworth, producirá su EP. El single, Being Alive, será lanzado oficialmente a finales de julio en la plataforma de la artista.

Lam ha sido descrita como la “Stravinsky conoce a Brookmeyer” de hoy. Fue seleccionada como finalista en el Annual Jazz Composition Contest for Women Composer de la Seattle Women’s Jazz Orchestra (SWOJO) del año pasado. Al mismo tiempo, fue galardonada con el premio Global Music Awards (GMA) 2017 en la categoría de Compositor y Jazz Big Band de este año. El trabajo como solista de Lam, “Distant Structures”, fue premiado como mejor composición internacional en el Contemporary Piano 2017 que se celebró en Atenas. Lam siempre está orgullosa y feliz de compartir su música con audiencias de todo el mundo, y a menudo se presenta en prestigiosos eventos internacionales como el festival “Women of The World” (WOW). Está comisionada para escribir dos obras para piano y voz basadas en el poema de Mary Baker Eddy, las cuales se estrenarán a finales de este año en el WOW.

“Uno de mis pasatiempos favoritos actualmente es trabajar con otros jóvenes músicos como yo”, dijo Lam. “Dirijo un programa de piano en la Fundación Noel Pointer, nombrada, por supuesto, por la violinista de Jazz nominada al Grammy, Noel Pointer. Es un honor transmitir el conocimiento y la experiencia que he venido a cultivar como artista. Pido que todos difundan la palabra de mi próximo EP, y que se dirijan a mi campaña de crowdfunding para conocer más sobre el proceso de producción para poder hacerlo posible “.

Para obtener más información, visite: https://www.hayleylammusic.com/pageep.

Ovacionan al Ensamble Cepromusic en el Cenart

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Al concluir la ejecución del sexto movimiento de La canción de la Tierra, obra de Gustav Mahler (Austria 1860-1911), una sonora ovación invadió el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes (Cenart) en reconocimiento a la ejecución e interpretación del Ensamble del Centro de Experimentación y Producción de Música Contemporánea (Cepromusic).

En el marco del ciclo Camaríssima 2016, la agrupación dirigida por José Luis Castillo ofreció una presentación inolvidable para los seguidores de la música de cámara con la ejecución de Seis piezas para orquesta, Op. 6, de Anton Wenern (Austria 1883-1945), y La canción de la Tierra (Das lied von der Erde).

La audiencia compuesta por jóvenes y adultos que asistió al tercer concierto del ciclo escuchó piezas especiales en su orquestación. El evento inició con la interpretación por el Cepromusic de las Seis piezas para orquesta, Op. 6, donde las notas, ritmos, timbres y articulaciones poco a poco se fueron desarrollando y dando a conocer con un implacable principio de no repetición.

Acto seguido, la mezzosoprano británica-canadiense Susan Platts y el tenor estadounidense Corey Bix, quien se presentó por vez primera en México, aparecieron en el escenario para acompañar al ensamble e iniciar la interpretación de La canción de la Tierra, obra de gran escala de Gustav Mahler, con arreglos de Arnold Schönberg para dotación orquestal reducida.

Esta obra compuesta entre 1907 y 1909 es una sinfonía para contralto, tenor y orquesta en seis movimientos, cada uno como una canción independiente, basada en una serie de poemas chinos, algunos de Li Tai Po (siglo VIII).

A lo largo de la pieza, con duración de 60 minutos y que por su propio autor fue la composición más personal que había creado hasta el momento, se escucharon coloridos pasajes con percusiones, solos de instrumentos de aliento y cuerda, que evocaron el origen chino de los poemas.

En tanto, Susan Platts y Corey Bix demostraron porqué son dos de las destacadas voces jóvenes que han alcanzado fama, precisamente por prestarse de manera adecuada para los requerimientos de la obra de Mahler, que en La canción de la Tierra es de estilo declamatorio.

Con el objetivo de estimular el desarrollo de la música contemporánea en México a través del fomento, la experimentación, producción, difusión y formación de la creación musical actual, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta, ahora Secretaría de Cultura), el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca), crearon en 2012 el Cepromusic.

El ciclo Camaríssima continuará el jueves 19 de mayo con la participación del ensamble Tempus Fugit, especializado en música contemporánea y en diferentes formatos de ópera de cámara. El sábado 21 de mayo tocará el turno al Coro Vox a Corde (Voz del Corazón) con un concierto que comprende piezas del romanticismo alemán.

Todos los conciertos de esta XVIII edición de Camaríssima se llevarán a cabo en el Auditorio Blas Galindo del Cenart, ubicado en Río Churubusco No. 79, esquina Calzada de Tlalpan, Colonia Country Club. Localidades $120.

Reaparecerá Paulina Rubio en los Billboard

Los Premios Billboard de la Música Latina, que se transmitirán en vivo el 28 de abril de 2016 por TELEMUNDO, honran los álbumes, canciones, e intérpretes más populares en la música latina, según los resultados de ventas reales, transmisiones radiales, “streaming” y redes sociales que proveen información a las listas semanales de Billboard durante un periodo de un año desde la edición con fecha del 7 de febrero de 2015, hasta la emisión del 30 de enero de este año.

La participación de la Chica Dorada Paulina Rubio es la más esperada ya que no ha pisado los escenarios por la llegada de su segundo hijo. Además se dió a conocer que está entre las 5 latinas que más han reportado ventas reales a lo largo de su trayectoria.

Espectacular el line-up para Glastonbury 2016

29 de mar.- Este martes se ha confirmado el espectacular cartel para el Festival Glastonbury 2016, que se celebrará del 22 al 26 de junio, en Wohrty Farm, Pilton, Somerset, a 45 kilómetros de Bristol, Reino Unido .

Entre los asistentes se encuentran: Coldplay, Muse, LCD Sopundsystem, PJ Harvey, Underworld, New Order, entre otros.

En el cartel figura también la leyenda de la música jamaicana Ernest Ranglin, así como Madness, pioneros de la segunda ola del skankin mundial.

Estarán además Disclosure, New Order, The Last Shadow Puppets (con Alex Turner, de Arctic Monkeys), Ellie Goulding, Laura Mvula, Savages, The 1975, Sigur Rós, Skepta, Band Of Horses, Daughter, Fatboy Slim, Bring Me The Horizon, Richard Hawley, CHVRCHES, James Blake, Floating Points, M83, Kurt Vile.

La lista continúa con Wolf Alice, The Lumineers, Kamasi Washington, Explosions In The Sky, Mac DeMarco, Bat For Lashes, Unknown Mortal Orchestra, Madness, Mercury Rev, Years & Years, Santi Gold, Little Simz, Vince Staples, Two Door Cinema Club, Jake Bugg, St. Etienne… Entre los más veteranos, Art Garfunkel, Earth, Wind & Fire y Cindy Lauper.

De acuerdo al portal ABC.es, habrá nombres procedentes del jazz, como los de Gregory Porter y Kamasi Washington, y llama también la atención la incorporación de The Syrian National Orchestra, formada por músicos huidos de la guerra que se libra en su país y cuya propuesta se basa en la música tradicional de su tierra pero añadiendo cierto espíritu experimental.

 

Agencias/huellas.mx

Honran a Óscar Chávez ciudadano distinguido de la CdMx

El cantante y compositor mexicano Óscar Chávez recibió el Diploma y la Medalla de Ciudadano Distinguido de la capital de la República de manos del jefe de Gobierno Miguel Ángel Mancera Espinosa.

La entrega del galardón ocurrió en el contexto del 81 aniversario del autor de Por ti, así como de sus 50 años de carrera artística. Para celebrar ambos acontecimientos, el próximo domingo 20 dará un concierto gratuito en el Zócalo capitalino como parte del Festival del Centro Histórico 2016.

El reconocimiento se dio también en el contexto del homenaje que el gobierno local rendirá a la película Los Caifanes, en la que Óscar Chávez interpretó al personaje El Estilos, papel por el que obtuvo el premio Ariel de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.

En el Salón de Cabildos del Antiguo Palacio del Ayuntamiento, Mancera Espinosa destacó el carácter crítico del autor nacido en la colonia Portales, quien dijo, “por cinco décadas ha sido símbolo de la escena cultural y artística de la Ciudad de México”.

Para el gobierno capitalino, dijo, “es muy importante reconocer la labor de los ciudadanos que a través de su disciplina aportan a la construcción de una identidad a favor de esta capital”.

El mandatario local agregó que el autor de más de 20 producciones discográficas “es un referente de la música popular, de la protesta con fundamento, de la sátira política hecha canción; es un cronista de la vida urbana, de la historia nacional, de las causas populares”.

Emocionado, el maestro de la llamada nueva trova mexicana respondió: “Me da mucho gusto, porque realmente estimo y quiero mucho a esta ciudad y por supuesto, a nuestro país”.

Al término de la ceremonia, Óscar Chávez firmó el Libro de Ciudadanos Distinguidos de la Ciudad de México.

 

Apro

El concierto completo y en HD de los Rolling Stones en México (14-Mar-2016)

Ciudad de México, 15 de mar.- Los Rolling Stones, una de las bandas más legendarias del planeta, se presentaron este lunes en el Foro Sol de la Ciudad de México, tras una década de ausencia en el país, en el marco de si gira latinoamericana Olé, la cual podría ser la última que hagan con su alineación original.

Los Rolling Stones arrancaron con Start me up, y desde ahí encendieron a un Foro Sol que lució pletórico y entregado totalmente a sus “majestades satánicas”, como se hacen llamar.

Los Rolling Stones interpretaron grandes clásicos como Wild Horses (5), Paint it Black (6), Sympathy for the devil (14) y se retiraron con I Cant’Get No (Satisfaction) (17), emocionando a un público entregado a la histórica banda británica encabezada por Lord Jagger.

Este jueves darán un nuevo concierto en el mismo escenario, antes de partir a Cuba para un histórico concierto gratuito en la ciudad de La Habana.

Días atrás también estuvieron tocando en sudamerica, donde hicieron vibrar a países como Uruguay y Brasil, donde existen también miles de fans de la banda.

Radiohead en México, 3 y 4 de octubre

La banda británica Radiohead confirmó dos conciertos en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México, para los días 3 y 4 de octubre, como parte de una gira que recorrerá las principales ciudades del mundo.

El rumor sobre la visita a este país de la icónica agrupación se esparció el pasado fin de semana, no obstante, fue hasta hoy que se confirmó la noticia mediante un comunicado de prensa.

Las localidades para ambas presentaciones estarán disponibles en venta general a partir de este miércoles y se limitarán a dos boletos por transacción, con la intención de minimizar las posibilidades de reventa y garantizar que todos los fans tengan iguales oportunidades de compra.

La gira mundial de Radiohead también incluye tres noches en el Roundhouse de Londres y dos presentaciones en el Madison Square Garden de Nueva York, las cuales se suman a las previamente anunciadas en algunos festivales internacionales.

 

Notimex

La música electrónica y los cantos étnicos de Estucha Grinberg se unen en Wotan

Hipnóticas atmósferas musicales son creadas por Estusha Grinberg, quien influenciada por las ceremonias indígenas, fusiona su peculiar forma de canto con sonidos de diferentes culturas del mundo y de música contemporánea.
La artista mexicana presentará su más reciente disco, Wotan, integrado por nueve piezas de cantos étnicos, combinados en este caso con música electrónica.
En entrevista con el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), Estusha Grinberg consideró que este material discográfico es el crisol de lo que ha realizado durante más de dos décadas de trayectoria musical.
“En mis otros discos he usado computadoras e instrumentos electrónicos, pero no esta música, porque no había encontrado la fusión que me gustara, hasta que lo conseguí”.
Destacó que la música electrónica fue una oportunidad para acercar a más público a su propuesta, en especial a los jóvenes y a personas que no escuchaban música étnica por considerarla “rara”.
En Wotan se incluye una enorme gama de letras, como cantos huicholes sobre la sanación y el conocimiento del jikury (peyote), la planta sagrada de la cosmovisión del pueblo huichol; cantos en sanscrito, cantos brasileños que nacen a partir de la esclavitud negra y cantos étnicos de celebración de todo el mundo.
Además de fonéticas e improvisaciones, por parte de los instrumentos, se puede escuchar el balafón de Mali, el cajón peruano y la ngoma, arpa de Gabón.
Para Estusha Grinberg, vivir desde pequeña en Tepoztlán, Morelos, considerado un lugar místico por sus leyendas y tradiciones, influyó en su gusto por la música en general.
“Es un lugar al que llega gente de todo el mundo y hay una parte indígena muy fuerte enfocada en sus raíces. Desde niña me tocó convivir con estos elementos, los temazcales, las ceremonias y empecé a cantar como lo hacen los indígenas, más tarde tuve una educación vocal, pero eduqué mi voz siempre con esa raíz de la Tierra”.
Hija de Jacobo Grinberg, reconocido científico especializado en el estudio de las técnicas del chamanismo y su relación con una teoría de la mente humana, reconoció que el trabajo realizado por su padre fue inspirador, aunque en su caso optó por un enfoque artístico.
“Aunque a mí me jaló el lado del arte, todo esto que él trabajaba y descubría sobre que somos parte de un origen, converge en algún momento determinado en el arte, la música y el canto en el que hay un regreso a los orígenes, a la Tierra (…) Venimos todos de una sola cosa y la diversidad es el prodigio”.
Estusha Grinberg ha participado con varios grupos y artistas, entre los que se encuentran Tania Libertad, Claudia Martínez, Jon Anderson (vocalista del grupo Yes), Café Tacuba y Maná, y en 1992 fundó, junto con Pedro Vadhar, Cielo y Tierra, primer proyecto de World Music en México.
Se ha dedicado a investigar aspectos de la música proveniente de varias culturas del mundo, como África, India, Nepal, Turquía, Países Árabes, Bulgaria, Israel, Perú, Brasil, Argentina, Bolivia, México, Canadá y la parte indígena de Estados Unidos, así como algunos aspectos de la música celta.
A partir de estos estudios ha realizado fusiones de instrumentos y cantos, dando como resultado una mezcla creativa que puede incluir desde cantos hindúes con instrumentos africanos hasta canto tradicional de los indígenas norteamericanos, con percusiones de India.
La intérprete, que cuenta con seis producciones discográficas, celebró que en la actualidad exista un movimiento creativo interesado en rescatar la música de raíz.
“Me da gusto ver que se abren los caminos a otro tipo de música. Es una gran suerte que se pueda meter esta música tradicional y étnica a lo contemporáneo. Es de las pocas cosas que nos quedan a nivel musical y de raíz”.
Luego de un concierto en la pasada edición del Festival Internacional Cervantino, Wotan se presentará el 28 de noviembre a las 13:00 horas en la Fonoteca Nacional (Avenida Francisco Sosa 383, Coyoacan).
Además, el 5 de diciembre participará en el Festival de Musicoterapia en Tepoztlán, Morelos, y el 19 de diciembre en el Foro El Tejedor, ubicado en avenida Nuevo León 115, colonia Condesa.

Rolling Stones

The Rolling Stones en México y Latinoamérica

Ciudad de México, 3 de nov.- Finalmente se ha confirmado que la banda británica The Rolling Stones regresarán a México tras un década de ausencia. Así lo informó el director general de CIE, Alejandro Soberón, en entrevista con Adela Micha. Los Rolling Stones ya habían anunciado una gira por Sudamérica, en donde visitarán países como Argentina, Perú, Colombia, Brasil.

Aunque el ejecutivo de la empresa de entretenimiento no dio más detalles sobre los conciertos, informó que el fin de semana se darán a conocer las fechas y recintos de la presentación de sus Satánicas Majestades.

La agrupación inglesa se presentaría en marzo del 2016 en la Ciudad de México, adelantó Soberón. Su más reciente visita fue en febrero de 2006 cuando se presentaron en el Foro Sol.

 

Con información deEl Financiero

Orquesta mexicana rendirá tributo sinfónico a Soda Stéreo

  • Se presentarán el día 15 de Octubre en el Pepsi Center de la Ciudad de México a partir de las 20:30 horas
  • Boletos a la venta en el Sistema Ticketmaster

Nacida con todo el amor de un montón de corazones jóvenes englobados bajo el concepto de la International Symphony Orchestra de San Luis Potosí que valoran el legado musical de la banda argentina Soda Stereo, con mucho esfuerzo y talento han construido un espectáculo de primer mundo para homenajear con todas las de la ley a esta banda que en muchos sentidos ha repercutido en las influencias de cada uno de los ejecutantes, siendo así que por vez primera presentan su excelso show en la Ciudad de México dentro de las instalaciones del Pepsi Center de la Ciudad de México el próximo 15 de Octubre en punto de las 20:30 horas en la que parece una cita imperdible con éste legado musical inmortal.

Soda Stereo Sinfonico Pepsi Center F4

Es así que las empresas Soma Music Group y Alto Nivel lo hacen de nuevo, ahora con el show de Rock Sinfónico en homenaje a una de las bandas latinoamericanas más grande de todos los tiempos, bajo el epíteto de Soda Sinfónico, en la que sus mayores éxitos serán ejecutados con Orquesta Sinfónica acompañados por un extraordinario grupo de Rock. Se trata de la Symphony Orchestra de San Luis Potosí dirigida magistralmente por el maestro Alfredo Ibarra, acompañados por la banda Dynamo (nombrada exactamente igual que su disco de 1992, para muchos el más experimental y alternativo de todos). Dynamo es una banda con amplia experiencia participando en giras alrededor del mundo con artistas de la talla de Filippa Giordano, Armando Manzanero, entre muchos otros.

Soda Sinfónico es un concierto orquestal dedicado a preservar el legado de Soda Stereo, a través de un viaje alucinante de música e imágenes que recorren de manera emotiva y puntual los puntos clave en la historia de la banda apto para los fans más exigentes y para aquellos que han encontrado en este vertiente una forma de sentir y escuchar la música bajo un esquema diferente. Es también un homenaje al genio de Gustavo Cerati y su invaluable aportación al rock latinoamericano, quien cumplió su primer aniversario luctuoso el pasado 4 septiembre

Soda Stereo Sinfonico Pepsi Center F1

No es para menos. Soda Stereo fue una de las bandas más influyentes del rock iberoamericano gracias a sus canciones y estilo únicos. Con influencias como The Cure, Queen, The Police y Pink Floyd, además de solistas como David Bowie o Luis Alberto Spinetta grabaron siete discos de estudio: Soda Stereo (1984), Nada Personal (1985), Signos (1986), Doble vida (1988), Canción Animal (1990), Dynamo (1992) y Sueño Stereo (1995). Además, como solista Gustavo Adrián Cerati lanzó cinco discos de estudio: Amor Amarillo (1993), Bocanada (1999), Siempre es hoy (2002), Ahí vamos (2006) y Fuerza Natural (2009).

El marco para recordar con este emotivo homenaje a una banda que enseñó a soñar a las bandas latinas con shows masivos en estadios y a romper todos los récords anteriormente asignados en exclusivas a los artistas de corte anglo es perfecto, luego de darse a conocer que el prestigioso Cirque du Soleil hará una completa inmersión en la obra del trío argentino y que inspirará la gira mundial que se estrenará en Buenos Aires en marzo de 2017. El show del Pepsi Center es pues un buen pretexto para reivindicar el papel de un grupo que ha echado raíces profundas en el olimpo del rock mundial, en la cumbre en la que todos los grupos han soñado, pero que muy pocos han alcanzado con tanta justicia, esfuerzo y talento como los homenajeados.

Soda Sinfónico se presenta en el Pepsi Center de la Ciudad de México el próximo 15 de Octubre en punto de las 20:30 horas. Boletos a la venta en el Sistema Ticketmaster al 53259000, Fábricas de Francia, Mixup, Palacio de Hierro, Liverpool, Mega Comercial Mexicana y sin cargos en taquillas del inmueble y puntos de venta autorizados.

REPERTORIO DEL SHOW:

1.- PERSIANA AMERICANA
2.-JUEGOS DE SEDUCCIÓN
3.-UN MILLÓN DE AÑOS LUZ
4.-CORAZÓN DELATOR
5.-SIGNOS
6.-CUANDO PASE EL TEMBLOR
7.-CANCIÓN ANIMAL
8.-ENTRE CANÍBALES
9.-TRÁTAME SUAVEMENTE
10.-DE MÚSICA LIGERA
11.-HOMBRE AL AGUA
12.-FUE
13.-TE PARA 3
14.-LA CIUDAD DE LA FURIA
15.- SUELES DEJARME SOLO
16.-CAE EL SOL
17.-ZONA DE PROMESAS

Soda Stereo Sinfonico Pepsi Center F6

ELEMENTOS QUE COMPONEN EL ESPECTÁCULO:
*ORQUESTA SINFÓNICA DE 45 ELEMENTOS.
*DIRECTOR DE ORQUESTA
*ARREGLOS PROFESIONALES PARA ORQUESTA SINFÓNICA.
*BANDA DE ROCK
*VIDEOIMÁGENES A PROYECTAR.

Soda Stereo Sinfonico Pepsi Center F7

Niños del Coro y Orquesta Infantil y Juvenil Renacimiento se festejarán con concierto

Los 400 niños y jóvenes integrantes del Sistema Renacimiento ofrecerán un concierto para celebrar su tercer aniversario, donde interpretarán obras como el Primer movimiento de la Quinta Sinfonía de Beethoven; Habanera de la ópera Carmen de Georges Bizet; Los cuentos de Hoffmann de Jacques Offenbach; Marte, el primer movimiento de la suite Los Planetas, de Gustav Holst, así como Alas (a Malala) y Conga de Fuego Nuevo, de Arturo Márquez, entre otras.
El magno concierto se realizará el próximo viernes 17 de julio en el Teatro Juan Ruiz Alarcón de Acapulco, Guerrero, a las 16:30 horas, con la participación del Coro y la Orquesta Juvenil Renacimiento, además de los integrantes del Sistema Renacimiento e invitados de 10 agrupaciones estatales, todos bajo la dirección del violinista Amílcar Montero.
Este evento es resultado de la colaboración entre el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) y el Gobierno del estado de Guerrero, quienes el 30 de julio de 2012 crearon la primera agrupación musical comunitaria del Sistema Estatal de Orquestas Renacimiento de Guerrero.
Actualmente el Sistema Renacimiento está integrado por 978 niños y jóvenes quienes diario ensayan supervisados por 55 maestros que forman parte del programa, así como por las agrupaciones estatales: Orquesta y Coro Infantil y Juvenil Renacimiento; Orquesta y Coro Bonfil; Orquesta Yohuala; Orquesta Ometepec; Coro Monumental Iguala; Coro Casitas; Coro Bilingüe Huixtepec; Orquesta Zihuatanejo; Ensamble en Movimiento Colosio y Orquesta Chilpancingo.
Para esta ocasión, los 400 integrantes del Sistema Renacimiento portarán trajes típicos del grupo étnico amuzgo, como símbolo de identidad, así como un reconocimiento a los creadores del estado de Guerrero, tal como lo hicieron en el concierto dirigido por Alondra de la Parra en abril de 2014.
Los niños y jóvenes que integran este proyecto se han presentado en encuentros artísticos como el Festival Acuérdate de Acapulco, el Festival Internacional de los Derechos Humanos y Cultura de Paz en la Ciudad de México, el Festival de Todos los Santos en Acapulco y el Festival Acapulco Acafest.
Cabe señalar que el Sistema Renacimiento forma parte del programa Música en Armonía, uno de los ejes estratégicos del programa México, Cultura para la Armonía, que tiene como objetivo formar un movimiento nacional de agrupaciones musicales comunitarias, integradas en sistemas regionales, estatales o locales, gestionados de manera autónoma, bajo la rectoría artística y metodológica del Sistema Nacional de Fomento Musical del Conaculta.
A la fecha, Música en Armonía registra 105 agrupaciones musicales comunitarias (orquestas, coros, bandas y ensambles), en las que participan alrededor de 9 mil 800 niños y jóvenes que se dedican de tiempo completo a la música en gran parte del país, lo cual permite erradicar la violencia y fortalecer el tejido social en zonas de alto riesgo, tal como lo ha reiterado el presidente del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Rafael Tovar y de Teresa.

Taraf de Haïdouks, Blur y Foals en gran cartel de Festival Coordenada

Guadalajara, jalisco, 29 de jun.- Este lunes se hizo oficial el cartel de la segunda edición del Festival Coordinada, a realizarse en la capital jaliciense el 17 de octubre próximo, y que estará presentando a artistas de talla internacional.

Entre los protagonistas del festival estará Taraf de Haïdouks, una histórica banda rómani impulsora del genero gitano, que es considerada a nivel mundial, una banda emblema de la música folklórica del este de Europa.

El festivalCoordenada se llevará a cabo en tercer sábado de octubre, en el Parque Trasloma de Guadalajara.

De igual forma destaca la presencia de la banda inglesa Blur, uno de los mayores referentes del britpop a nivel mundial, y quien estará siendo la banda encargada de cerrar el festival, junto con la banda mexicana Café Tacuba.

Serán atractivas también las apariciones de la banda chilena Los Tres o del conjunto de punk navarro El Columpio Asesino.

Esta es la lista completa de bandas participantes.

Blur
Foals
Café Tacvba
Dread Mar-I
Nacho Vegas
Natalia Lafourcade
Little Jesus
Mon La Ferte
The Raveonettes
El Columpio Asesino
División Minúscula
Descartes a Kant
El Gran Silencio
Rebel Cats
Los Tres
Taraf de Haïdouk
Presidente
Los Victorios
Leiden
Elsa y Elmar

En su segunda edición, el Coordenada contará con tres escenarios, y zonas tanto para el público general como el VIP (aquí puedes ver los servicios exclusivos del VIP). Los boletos salen a la venta a partir del 2 de julio por Ticketmaster. Precios a continuación:

ETAPA 1
General – 610
VIP – 1,200

ETAPA 2
General – 660
VIP – 1,280

FASE 3
General – 760
VIP – 1,380

Video de presentación:

David Galeano. Huellas.mx

B.B.King llevó el blues al cielo

La muerte de B. B. King deja un enorme hueco en la escena del blues, pero también un enorme legado y enseñanza, dijo el pianista, compositor y arreglista Cyrus Chestnut.

“Primero mis condolencias a la familia y sé que ahora está en un lugar mejor tocando blues con los grandes maestros de blues. Ahora es nuestro ángel del blues …. La contribución de B.B. King es tan extensa que deja un legado para las generaciones para siempre. Todo aquél que quiera estudiar blues, tendrá que estudiar a B.B. King y aunque su trabajo en la tierra ha terminado, su legado va a vivir para siempre”, dijo el líder del trío Jazz at Lincoln Center tras su presentación la noche del viernes en el Auditorio de la Reforma en esta ciudad, como parte del Festival Internacional 5 de Mayo.

Riley B. King, el legendario guitarrista estadounidense conocido como B.B. King o el “Rey del Blues” y quien llevó este género musical a lo más alto de su popularidad, murió la noche del jueves a los 89 años en su casa a consecuencia de una deshidratación por la diabetes tipo II que padecía.

El reinado de B.B. King duró más de seis décadas e influyó en una generación de músicos de rock y blues, desde Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan, Sheryl Crow y John Mayer.

Para Cyrus Chestnut el blues es una ” forma o manera de vida” y así lo vivió Riley B. King, quien creó un nuevo lenguaje con la guitarra eléctrica, el cual se volvió como una pieza esencial de la música popular del siglo XX.

The Jazz At Lincoln Center se presenta la noche de este sábado en el Centro Cultural Roberto Cantoral, en el Distrito Federal, previamente ofrecerán una clase magistral y hará lo mismo en Cuernavaca el domingo por la tarde. Esto como parte del segundo ciclo del “New York Jazz All Stars” que organiza Quinta Producciones.

 

Por diana.salado@eleconomista.mx

 

Fuente. ElEconomista

 

5 jazzistas mexicanos que están haciendo historia

Mucho se comenta en los circuitos de jazz mexicano de la necesidad de proyectar el talento nacional fuera del país, una asignatura pendiente en la maduración de este renacimiento de la escena local, que lleva poco más de tres lustros de mantener una expansión ininterrumpida.

Si bien este crecimiento interior ha sido apuntalado por proyectos institucionales –uno fundamental, el de la formación permanente de músicos especializados en el género– y los fomentos, espacios y producciones independientes, los artistas coinciden en que aún falta que la incipiente red de management y gestorías nacionales se vincule de manera más articulada con los agentes y festivales del extranjero para exportar lo que aquí se hace.

Algunos pasos ya están dados: es cada vez más frecuente la presencia de artistas de otros países que tocan aquí no solamente con sus proyectos, sino que, amén de los jams –siempre reveladores para los músicos– e invitaciones especiales, terminan por crear propuestas con sus colegas mexicanos. Ahí está la colaboración del trompetista Cuong Vu con Los Dorados, de la que surgió el disco Incendio (Intolerancia, 2008); o el ensamble Onda Road, que en 2012 formó el saxofonista francés Adrian Chaillou con músicos del país; el dúo de Daniel Wong y el tablista holandés Heiko Dijker, que se presentó en la pasada edición del Eurojazz (2014); o A love Electric, una banda que surgió en 2007 con integrantes de diversas nacionalidades que forman parte de la escena jazzística de México, y que realiza giras cada vez más exitosas por Europa, Estados Unidos y Sudamérica. Éstos, entre un largo etcétera que encuentra ejemplos de gran peso en figuras de generaciones hacia atrás.

Son menos los artistas mexicanos que de forma permanente trabajan del otro lado de la frontera. He aquí algunos de los que han buscado mantenerse fuera y han triunfado en su empeño, con mayor o menor reconocimiento, pero con igual importancia para la creación de un territorio del jazz mexicano en el exterior.

1
Mark Aanderud

Mark Aanderud

No hay mejor momento para escucharlo que ahora, ya que se encuentra de gira en México y a lo largo de esta semana tendrá toquines en diversas ciudades de la República con Mole, el proyecto que acuñó con el baterista Hernan Hecht y con el que está presentando su nuevo disco,RGB-MOLE.

Ya hemos reparado en Mark anteriormente como uno de los pianistas mexicanos que es imperativo que conocer, pues, como lo dijo Germán Palomares (gerente de la estación de jazz Horizonte, del IMER), es uno de los músicos más brillantes de su generación.

Tras haber desarrollado la primera parte de su carrera en México, con frecuentes viajes a Nueva York, hoy radica en Barcelona, pero antes vivió en la República Checa, donde fue director de la carrera de piano del Conservatorio de Praga. Su acervo de grabaciones llega a la veintena –entre ellas una colaboración con la banda estadounidense de progresivo The Mars Volta, Octahedron (2009)– y de manera solista tiene dos títulos: el primero, Introducing Mark Aanderud (2005) y el proyecto multimedia Animatic Theatre (2014).

Entre los proyectos que tiene vigentes, además de Mole, está The Mark Aanderud Trio (MATRIO), que con un acento avant-garde y 10 años de trayectoria, ha logrado un sonido propio que parte del jazz para desplazarse por una diversidad de territorios musicales a través de la improvisación. Este ensamble cuenta con las colaboraciones del bajista japonés Stomu Takeishi y el guitarrista Jeff Davies, en su versión americana, y en Europa, con Masa Kamaguchi en el bajo y Marc Miralta en la batería.

También lidera el Mark Aanderud Latin-quartet y el MASEnsemble, y por supuesto, realiza una gran cantidad de colaboraciones no solo en España sino en países europeos así como en Mexico y Nueva York.
Mark Aanderud Trío en el Jimboree de Barcelona

2
Magos Herrera

Magos Herrera

Sin duda, la cantante más reconocida del país en el ámbito internacional. La exitosa carrera que comenzó en México en 1992 dio un giro en 2008 cuando se fue a vivir a Nueva York con su esposo, el baterista brasileño Alexandre Kautz. A los cinco discos que había grabado en el país sumó otras producciones: Distancia (2009), que coproducido por el saxofonista Tim Ries y contó con la participación del pianista Aaron Goldberg y el guitarrista Lionel Loueke. Este disco llegó al primer lugar de ventas de jazz en iTunes y le ganó una nominación al Grammy como Mejor Álbum de Jazz Vocal. Luego México Azul, un tributo a compositores nacionales de los 30 y 40, también coproducido por Ries, fue más allá al integrar a luminarias de la talla del pianista Luis Pedromo y John Patitucci en el bajo, obteniendo las mejores críticas.

Tras lanzar la compilación Lo Mejor de Magos Herrera (2012), la cantante publicó su álbum más reciente, con el guitarrista español Javier Limón, que comenzó a promover el año pasado.

Magos se ha consolidado no sólo como vocalista sino como compositora y se ha presentado ya en varios continentes, en importantes festivales como el de Montreaux, y el Chick Corea Festival que se realiza en el Lincoln Center de Nueva York.

Aquí con Limón, el año pasado en Montreaux:

3
Enrique Toussaint

Enrique Toussaint

Se afincó en Saint Paul, Minnesota, donde se ha desarrollado principalmente como músico de sesión –ha participado en ms de 100 discos- y como parte de la orquesta de Paul Anka. Ha recorrido el mundo tocando al lado de grandes figuras, como Quincy Jones, Clare Fischer, Herb Alpert, Michael Bublé, Ivan Lins o inlcuso Pácido Domingo.

Digno ejemplar de la familia, comenzó a tocar de forma autodidacta. Lo suyo, el bajo. Su carrera abarca ya cuatro décadas y también pasó por Sacbé, la legendaria banda que formó con sus hermanos, pero ha desarrollado la parte más importantre de su trayectoria en Estados Unidos, donde se unió como miembro permanente a la orquesta de Paul Anka – de la que su hermano Eugenio fue director artístico durante un tiempo-. Con él ha tocado en los más importantes escanarios de Estados Unidos (incluida la Casa Blanca) así como en programas de televisión de enorme audiencia como Larry King Live, Today Show, David Letterman, Good Morning America, The View with Barbara Walters y The Rosie O’Donnell Show, entre otros de éste y el otro lado de la frontera.

Comunidad (2007) es su único disco solista, un álbum doble con piezas de su autoría.

4
Antonio Sánchez

Alejandro Sánchez

Referencia obligada, uno de los bateristas más reconocidos del mundo es el único músico mexicano que ha llegado a las grandes ligas del jazz de manera protagónica. Como ningún otro en la historia. Después de conquistar Nueva York y afianzarse como miembro del Pat Metheny Group, se lanzó como líder de proyectos propios –principalmente su grupo, Migration– y como compositor.

En esta línea ha lanzado ya cuatro discos en los que ha contado con colaboraciones de grandes como Chick Corea y por supuesto, Pat Metheny: Migration, New life, Three times three y Birdman, el soundtrack de batería sola que compuso para la película de Alejandro González Iñárritu, un proyecto que le ganó varios premios de la industria cinematográfica (aunque también la descalificación para concursar por el Oscar) y que sin duda ha catapultado su fama hacia otros públicos.

5
Abraham Laboriel

Abraham Laboriel

Es mucho más que “el bajista de sesión más ampliamente solicitado en nuestro tiempo”, según la definición de la revista Guitar Player. Cierto que impresiona saber que este hermano del fallecido cantante de rock and roll Johnny Laboriel ha participado en más de 5 mil producciones discográficas, pero lo que realmente vale la pena es escucharlo en sus proyectos menos comerciales.

Laboriel es todo un monumento al bajo, este hombre de profunda espiritualidad cristiana trabaja más de lo que produce materiales propios, pues sólo tiene seis discos bajo su nombre, entre ellosAbraham Laboriel. Dear Friends (1993), Justo Almario and Abraham Laboriel (1994) y Reyes y Sacerdotes. Cumbia y vallenato (2011).

La brevedad de su legado discográfico como líder solo destaca la personalidad humilde de aquel joven que se afincó en Los Ángeles a sugerencia de Henry Mancin y se convirtió en uno de los bajistas más connotados en el ámbito mundial.

Por supuesto esta lista es acotada. Hay artistas que han atraído menos reflectores pero que están abriendo camino, como es el bateristaGustavo Cortiñas en Chicago; su homólogo Rodrigo Villanueva, un músico muy reconocido en el país y profesor en la Northern Illinois University; o Gerry López, quien estuvo viviendo en París, obteniendo reconocimientos y ganando concursos con su saxofón. Ahora está de vuelta creando proyectos fuertes como la Orquesta Nacional de Jazz, en los que sin duda está vertiendo la experiencia que adquirió fuera.

¿DÓNDE OÍR?

Esta semana la recomendaciones por supuesto, aprovechar la presencia de Mark Aanderud en la ciudad. Estará con Mole este sábado 9 de mayo en la Cineteca Nacional, a las 19:00 horas, el martes 12 en el Foro 81, a las 21:00, el jueves 14 en el Zinco Jazz Club, el viernes 15 en The Jazz Place, y cierra el domingo 17 en el Film Club Café.

 

Por Maria Eugenia Sevilla

 

Fuente. ElFinanciero

Santana, memorable concierto en el Ángel de la Independencia

México, DF. “Lo que más queremos es que haya paz, justicia, igualdad para todos en México y paz en tu corazón”, dijo el músico Carlos Santana al finalizar el concierto gratuito que ofreció este sábado por la noche en el Ángel de la Independencia.

En una noche en la que la lluvia respetó las dos horas de música, Santana tocó sus canciones más conocidas como parte de su gira Corazón Tour, que inició en Miami y lo trajo a distintas partes de México (Monterrey, Veracruz, Guadalajara y el Distrito Federal).

Miles de personas acudieron a la Avenida Reforma, entre la glorieta de La Palma y el Ángel de la Independencia para corear sus canciones (las que tienen letra) o para saltar (las que no la tienen), mientras El grito de “¡Santana!”, Santana!”, se repitió en numerosas ocasiones.

El músico, nacido en Autlán hace 67 años, dedicó el concierto “a nuestra patrona la Virgen de Guadalupe” y alguien del público le preguntó a gritos: “¿por qué nos abandonas carnal?” A lo que Santana respondió: “No mames güey, no se me han olvidado”.

El concierto inició con imágenes de Woodstock a las 19:48 horas y casi al final las cosas amenazaron con salirse de control cuando los asistentes comenzaron a brincar y empujarse al ritmo de las canciones, lo que puso en alerta a los equipos de seguridad, entre ellos a la policía, el Grupo Topos y miembros del Erum.

Los uniformados reforzaron las barras de contención mientras pedían a la gente que no se empujara. Varias mujeres, niños y hombres fueron sacados del lugar, algunos con crisis nerviosas.

De acuerdo con primeras estimaciones no oficiales, unas 60 mil personas acudieron al concierto.

 

 

 

Fuente. LaJornada

Massive Attack se solidariza con estudiantes de Ayotzinapa

Ciudad de México, 11 de oct.- La legendaria banda británica Massive Attack, dio un concierto este viernes en Plaza Condesa, como actuación previa a su participación estelar en el Festival Corona Capital.

Además de deleitar con su música, los británicos externaron su apoyo a los estudiantes de Ayotzinapa, a través de mensajes en la pantalla del escenario, con frases como “Pienso, luego me desaparecen” y “Haz que tu voz se escuche”.

Aunque se esperaba la participación de Massive Attack esta noche en el Corona Capital, la fuerte lluvia obligó a suspender su participación cuando ya había iniciado. En próximas horas podrían regresar si lo permite el clima.

massive

 

Redacción. Huellas de México
Foto. Sopitas

Te despertamos cuando pase el temblor, 15 instantes inmortales de Cerati

4 de sep.- Después de más de cuatro años de dormir, Gustavo Cerati, uno de los más grandes músicos de los últimos tiempos ha dicho adiós a este mundo, el cual deja con una inmensa estela de magia que por siempre va a perdurar. A continuación un breve recuento de 15 momentos inolvidables en la carrera de Cerati.

Desde joven Cerati tuvo inquietud por la música, formó varias bandas y compartió alineación con artistas de la talla de Andrés Calamaro, cuando aún eran unos adolecentes; sin embargo con su amigo Zeta Bosio formó una de las bandas que marcarían época en la historia de la música latinoamericana: Soda Stereo; agrupación que deslumbró desde su disco homónimo, el primero, con grandes clásicos como Un misil en mi placard y Tratame Suavemente.
Concierto de Soda Stereo, Astros en 1985

En 1985 llegaría el segundo disco de la banda, Nada Personal, con el cual se consolidó la banda a nivel internacional, rompiendo las fronteras con temas como Juegos de Seducción y Cuando pase el temblor, para el cual se grabó un videoclip en las ruinas del Púcara, en Tilcara, Jujuy, bajo la dirección de Alfredo Lois.

En 1987 llegó, para muchos de los fans, el mejor album de Soda Estéreo, un disco que se consagro mundialmente a pesar de que fue el único del que no se grabó ningún videoclip para los sencillos, incluye grandes clásicos como Persiana americana, El rito y Signos, con este disco llegó también la 2a gira latinoamericana, recordamos algo de su paso por México.

Para 1988 llegó Doble vida, uno de los albumes más discretos de Soda Estéreo, pero que contiene algunas de sus más grandes canciones, como la Ciudad de la furia, Corazón Delator y Lo que sangra; también se registraron grandes conciertos como el del estadio de Obras:

En 1990 llegó otro disco inolvidable, Canción Animal, con temas inmortales como Música Ligera, Te para tres, los cuales fueron ovacionados desde su presentación en el estadio de Velez

Aunque había rumores de separación en la banda, para 1992 terminaron Dynamo, un disco más experimental, que representó también una gira mundial. En una encuesta del diario El Clarín, Tras cumplirse 15 años de la separación de la banda, Dynamo alcanzó el tercer puesto en la lista de los seis mejores álbumes de la banda según el criterio de los fanáticos, superado solo por Signos y Canción animal. A continuación una parte de la gira que hicieron: concierto en Sevilla, España.

1995 fue el año del último album de Soda Estéreo, no obstante quizás es más recordado por ser el año en el que se grabó un concierto Unplugged memorable para la cadena MTV, con la participación de Andrea Echeverri entre otros; una de las producciones más inolvidabes en la historia de Cerati.
Compartimos aunque sea el audio, pues la disquera no autoriza los materiales audiovisuales completos:

El 20 de septiembre de 1997 llegó uno de los momentos más inolvidables en la memoria de los amantes de la música de Soda Estéreo, el llamado Último concierto, en el Estadio de River Plate ante más de 70 mil personas…
No sólo no hubiéramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo nuestro alrededor desde el comienzo. Algunos siguen hasta hoy. ¡Gracias… totales!.

Pero Cerati jamás dejó de bailar, crear e innovar, en 1999 llega Bocanada, un sorprendente album grabado en el estudio CasaSubmarina y en los famosos estudios Abbey Road de Londres, incluye temas indispensables para la historia de la música como Paseo Inmoral, Tabú, Puente, Río Babel, entre otras; a continuación la presentación en el Teatro Gran Rex.

En 2001 llegó también otra de las creaciones inolvidables del genio de Buenos Aires: 11 Episodios Sinfónicos, una orquesta sinfónica conducida por Alejandro Terán, que tuvo también varias interpretaciones con músicos locales a lo largo de latinoamérica.

En 2003 llegó, Siempre es Hoy, una nueva genialidad del maestro Cerati, quien creó un maravilloso album producido por Sasha Triujeque (productor, ingeniero de audio, músico) y Toy Hernández (músico y productor de Control Machete); incluye temas como Sulky, Karaoke, Coosas Imposibles o Torre de Marfil

2006 fue el año del laureado album Ahí Vamos, el cual representó también una nueva gira latinoamericana, que lo trajo de vuelta a tierras mexicanas.

Finalmente el 19 de octubre de 2007 Cerati cumplió uno de sus sueños, volver a tocar con Soda Estéreo; el mismo Monumental de River que los vio despedirse, fue testigo de la reunificación que marcó también el inicio de la última gira de Soda Estéreo. Me verás volver:

Antes de irse Cerati también cumplió el sueño de tocar con varios de sus ídolos, Andy Summers y Roger Waters fueron algunos de los músicos con los que Cerati compartió acordes, en algunos casos para causas nobles como las propuestas por la Fundación Alas, con quien Cerati colaboró en varias ocasiones.

2009 fue el año del último disco de Gustavo Cerati: Fuerza Natural; una obra maestra que tocó hasta desfallecer tras un concierto un 15 de mayo del 2010 en Venezuela, descansa en paz y vuela alto Cerati, acá nos quedamos con tu magia.

Raúl Flores Durán
Huellas de México

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